Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период - от конца XV в. до конца второго десятилетия XVI в. Только в Венеции расцвет искусства продол жался до середины столетия. Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире - не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только о в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Изобразительный язык, который, по определению некоторых исследователей, в эпоху раннего Возрождения мог показаться слишком "болтливым", стал обобщённым и сдержанным. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлётами и последующим кризисом.

Родиной Возрождения, ее классическим очагом была Италия, имеющая глубокие античнойые корни, благодатный климат и выгодное географическое положение. В ее городах никогда не прекращалась общественная жизнь, сложившиеся мироощущение сильно отличалось от религиозного пессимизма европейских стран, расположенных к северу от Альп. Проторенессанс ( от греческого «протес»-«первый») стал предвестником новой художественной культуры Италии. Центром Возрождения стали города Тосканы (север Италии), в которых власть сосредоточилась в руках крупных банкиров, купцов. В некоторых из них позже сложились художественные школы: в Пизе, Сиене, Болонье, Флоренции.

Живопись Предвозрождения представлена творчеством Чимабуэ (настоящее имя Ченни де Пепо около 1240 около 1302), Пьетро Каваллини (между 1240 и 1250 – около 1330)и Джотто ди Бондоне ( 1266 или ), Дуччо ди Буонинсенья (около ) и Симоне Мортини (1284 – 1344).Чимабуэ Джотто ди Бондоне

Чимабуэ Чимабуэ Мадонна на троне Джотто Поцелуй Иуды Мартини Кондотьер Гвидориччо де Фольяно Джотто Бегство в Египет Джотто возвращение Иоакима к пастухам

МАЗАЧЧОМАЗАЧЧО (Masaccio) (1401–1428), итальянский живописец флорентийской школы. Вместе с архитектором Брунеллески и скульпторами Донателло и Гиберти считается одним из основоположников Ренессанса. Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира. Значение живописи Мазаччо было вновь оценено в 1988, когда его главное творение – фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции – были восстановлены в первоначальном виде. Мазаччо родился в провинциальном тосканском городке Кастель-Сан- Джованни 21 декабря Его полное имя – Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи ( Tommaso di Jiovanni di Simone Kassai ). О детстве и юности художника почти ничего не известно. Мадонна с младенцем Чудо о сатире

Пьеро Делла Франческа Пьеро Делла Франческа (Piero della Francesca) (около ) Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Ф. Брунеллески, мастеров нидерландской живописи. Мадонна с ангелами, святым Федериго (фрагмент) Бичевание Христа

Высокое Возрождение Высокое Возрождение,период в истории искусства в Италии, падающий на конец 15 и 1-ю четверть 16 вв. и знамяенующий высшую, классическую фазу в развитии художественной культуры Возрождения. Основные центры искусства В. В. - Флоренция, Рим, Венеция (в которой В. В. захватывает и 1530-е гг.); главные представители - Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан. В архитектуре, скульптуре и живописи В. В. реализм, гуманизм и героические идеалы Ренессанса, жизненная полнота и яркость образов получили синтетически обобщённое, полное титанической силы выражение. Искусству В. В., развивавшемуся необычайно быстро и многогранно, в целом присущи величественный, монументальный характер, гармоническое совершенство, возвышенный идеальный строй. Принципы В. В. сложно и разнообразно преломились во всём итальянском искусстве 16 в. и оказали мощное влияние на мировую художественную культуру. Черты синтетического стиля В. В. присущи творчеству ряда немецких художников 1-й половины 16 в. (А. Дюрер, Х. Хольбейн). Возрождения. Микеланджело

Леонардо да Винчи Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), знамяенитый итальянский живописец, скульптор и ученый, , родился в деревне Винчи; 1482 получил приглашение ко двору Лодовико Сфорца в Милане, 1499 в Венеции, затем во Флоренции, 1514 в Риме, 1516 принял приглашение Франциска I в Париже, умер в 1519 в замке Клу. Старший представитель славнейшей эпохи итал. искусства, искусный архитектор, инженер, техник, ученый математик (соч. по механике: законы рычага, падение тел), анатом и музыкант. Гл. произведения: "Поклонение волхвов" (Флоренция), "Тайная вечеря" (1498, на стене в мон. Св. Мария delle Grazie в Милане, очень повреждена), "Святое семейство" (СПБ. Эрмитаж), "Мадонна Литти" (там же), "Мона-Лиза" (портрет, в Лувре) и проч. Автопортрет Джоконда Тайная Вечеря

Микеланджело Буонаротти Микеланджело Буонаротти (Michelangelo Buonarrotti), великий итал. художник, живописец, скульптор, архитектор; флорентиец. Первые работы в античной. духе: "Смеющ. Фавн" (Уффици), барельеф "Битва Геркулеса с центавр." (Флор.), "Опьяненный Бахус" (Флор.), "Pieta" (собор св. Петра, Рим); позднейшие характеризуются натурализмом, колоссальностью замыслов и фигур: "Давид" (в флор. акад.), "Моисей" (на пам. Юлию II, ц. Сан-Пьетро в Винколи, в Риме), "Ап. Матфей", "Мадонна с младенцем", "Мадонна Дони" (Уффици), гробницы Медичи во Флоренции. Самые гениальные. работы М.: фрески на плафоне Сикстинской капеллы в Ватикане ( ), из архитект. работ М. важнейшие: купол собора св. Петра. М. также писал лирич. стихи (сонеты, нов. изд. 1863). Гробница Джулиано Моисей

Тициан Вечеллио Тициан Вечеллио (Tiziano Vecellio), знамя. итал. живописец, , ученик Джов. Беллини, глава венециан. школы, замечательнейший колорист и изобразитель нагого тела. Главн. прелесть его картин - в их колорите, сильном, и, вместе с тем, нежном, прозрачном и сочном. Как портретист Т. обладал способностью схватывать индивидуальные черты изображаемого лица. Многочисл. церковно. картины и изображения святых; "Христос с денарием" (Дрезден), "Вознесение Богоматери" (Венеция), "Мадонна" фамилии Пезаро, "Положение во гроб", "Ecce homo" (Вена), аллегория. и мифология.: "Земная и небесная любовь", "Даная" (спб. Эрмитаж), "Юпитер и Антиопа", "Венера"; портреты: папы Льва X, Карла V (Мадрид), Филиппа II, его дочери Ливинии, его возлюбленной Элеоноры Гонзаги (Вена); "Bella di Tiziano" во Флоренции. Вознесение Марии

Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на основании предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античнойую ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Роль Донато Браманте ( ), который наметил пути раз вития архитектуры Италии XVI в, можно уподобить роли Филиппе Брунеллески в зодчестве раннего Возрождения. Браманте начинал творческую деятельность как живописец. В этом качестве в 1476 г. он был приглашён в Милан ко двору герцога Лодовико Моро. Здесь произошла его встреча с Леонардо да Винчи, градостроительные идеи которого оказали на мастера сильнейшее влияние. Хотя Браманте и обладал выдающимся талантом живописца, в это время его всецело захватило увлечение архитектурой. В миланский период творчества, длившийся двадцать лет, Браманте возвёл несколько великолепных зданий, среди которых выделяется перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть монастырской церкви Санта Мария делла Грацие. В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античнойой ордерной архитектурой. Наибольших высот в творчестве Браманте достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 г., после того как Милан был взят французскими войсками. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство. Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, чётко расчленённой поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрёл черты общественного сооружения (оно и стало административным папским зданием). Безупречный по очертаниям стройных арок, большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте. Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (тех рамки), воздвигнутый Браманте в 1502 г. во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио на месте, где был распят на кресте апостол Пётр. Окружающая Темпьетто современная за стройка не позволяет вполне оценить, насколько естественно и горделиво вписывается в окружающее пространство стоящий на возвышении в несколько ступеней, окружённый колоннами и увенчанный куполом храм. В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения. С восшествием на папский пре стол Юлия II - человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, - началась пора перестройки и украшения Рима. Браманте стал главным папским архитектором. В 1505 г. приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан Дамазо до Бельведера. Маленький Темпьетто был исключением в римской практике Браманте, тяготевшего к огромным масштабам зданий. Например, парадный двор Бельведер простирался почти на триста метров и, следуя единой продольной оси и рельефу местности, располагался на трёх террасах, завершаясь мощной полу круглой нишей экседрой. Бельведер служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни Браманте это колоссальное сооружение было возведено не полностью; ныне двор расчленён зданиями, возведёнными позднее. Браманте стал первым создателем собора Святого Петра в Риме. В этом здании должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально- купольного храма. В классическом стиле Высокого Возрождения строились многие центрально-купольные храмы, дворцы и виллы. Со второй трети XVI столетия из-за кризиса гуманистического мировоззрения возникло несколько течений в зодчестве. Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на основании предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античнойую ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Роль Донато Браманте ( ), который наметил пути раз вития архитектуры Италии XVI в, можно уподобить роли Филиппе Брунеллески в зодчестве раннего Возрождения. Браманте начинал творческую деятельность как живописец. В этом качестве в 1476 г. он был приглашён в Милан ко двору герцога Лодовико Моро. Здесь произошла его встреча с Леонардо да Винчи, градостроительные идеи которого оказали на мастера сильнейшее влияние. Хотя Браманте и обладал выдающимся талантом живописца, в это время его всецело захватило увлечение архитектурой. В миланский период творчества, длившийся двадцать лет, Браманте возвёл несколько великолепных зданий, среди которых выделяется перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть монастырской церкви Санта Мария делла Грацие. В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античнойой ордерной архитектурой. Наибольших высот в творчестве Браманте достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 г., после того как Милан был взят французскими войсками. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство. Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, чётко расчленённой поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрёл черты общественного сооружения (оно и стало административным папским зданием). Безупречный по очертаниям стройных арок, большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте. Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (тех рамки), воздвигнутый Браманте в 1502 г. во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио на месте, где был распят на кресте апостол Пётр. Окружающая Темпьетто современная за стройка не позволяет вполне оценить, насколько естественно и горделиво вписывается в окружающее пространство стоящий на возвышении в несколько ступеней, окружённый колоннами и увенчанный куполом храм. В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения. С восшествием на папский пре стол Юлия II - человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, - началась пора перестройки и украшения Рима. Браманте стал главным папским архитектором. В 1505 г. приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан Дамазо до Бельведера. Маленький Темпьетто был исключением в римской практике Браманте, тяготевшего к огромным масштабам зданий. Например, парадный двор Бельведер простирался почти на триста метров и, следуя единой продольной оси и рельефу местности, располагался на трёх террасах, завершаясь мощной полу круглой нишей экседрой. Бельведер служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни Браманте это колоссальное сооружение было возведено не полностью; ныне двор расчленён зданиями, возведёнными позднее. Браманте стал первым создателем собора Святого Петра в Риме. В этом здании должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально- купольного храма. В классическом стиле Высокого Возрождения строились многие центрально-купольные храмы, дворцы и виллы. Со второй трети XVI столетия из-за кризиса гуманистического мировоззрения возникло несколько течений в зодчестве.

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальныеую личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи ( ). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и учёного стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остаётся загадочным и продолжает будоражить умы людей, Леонардо да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи, недалеко от Флоренции; он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастер скую Андреа Верроккьо. В картине учителя "Крещение Христа" фигура одухотворённого белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо. Среди его ранних работ картина "Мадонна с цветком" (1472 г.). В отличие от мастеров XV в. Леонардо отказывался от повествовательности, использования деталей, которые отвлекают внимание зрителя, на сыченного изображениями фона. Картина воспринимается как про стая, безыскусная сцена радостного материнства юной Марии. Две крупные фигуры заполняют всё пространство картины, лишь за окном в тёмной стене видно чистое холодное голубое небо. Запечатлен конкретный момент: мать, сама ещё ласковая и живая девочка, протягивает, улыбаясь, своему ребёнку цветок и наблюдает, как серьёзный малыш внимательно рассматривает незнакомый предмет. Цветок связывает обе фигуры между собой. Леонардо много экспериментировал в поисках различных составов красок, он одним из первых в Италии перешёл от темперы к живописи маслом. "Мадонна с цветком" исполнена именно в этой, тогда ещё редкой, технике. Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим си лам ни как учёныйинженер, ни как живописец: изысканная утончённость культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми. Около 1482 г. Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротехнических работ и только потом как живописца и скульптора. Однако первый миланский период творчества Леонардо ( гг.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине. Не все грандиозные замыслы, в ртом числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить. Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, продолжалось (с перерывами) более десяти лет, но она так и не была отлита в бронзе. Глиняная модель монумента в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была уничтожена французскими войсками, захватившими Милан. Это единственное крупное скульптурное произведение Леонардо да Винчи получило высокую оценку современников. Представление о статуе можно составить на основании рисунков, запечатлевших разные варианты и этапы работы над ней. Первоначально статуя изображала всадника в стремительном {движении, на вздыбленном коне, но её отливка оказалась технически невозможной; позднее мастер нашёл более спокойное решение. Памятник Сфорца должен был более чем в полтора раза превысить конные монументы, выполненные Донателло и Верроккьо. Монумент прозвали Великим Колоссом. До нашего времени дошли живописные работы Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала "Мадонна в гроте" ( гг.). Живописец отошёл от традиций XV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: жен ственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопреклонённый ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально пре красны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди тёмных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж: в целом фантастически таинственный, но в частностях - в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы - выполненный с точным знанием природных форм. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот приём Леонардо называли сфумато. В Милане, повидимому, мастер создал полотно "Мадонна с Младенцем" ("Мадонна Литта"). Здесь в отличие от "Мадонны с цветком" он стремился к большей обобщённости и идеальности образа. Изображён не определённый момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина, кормящая грудью ребёнка. Выразительна чет кость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры. Холодный ясный свет озаряет её тонкое, мягко вылепленное лицо с полуопущенным взором и лёгкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые тёмнозолотистые вьющиеся волосы Младенца, не подтески серьёзен его внимательный взгляд, устремлённый на зрителя. Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо "Тайная вечеря", исполненную им в гг. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Судьба этого прославленного произведения Леонардо трагична. Ещё при жизни мастера краски начали осыпаться. В XVII в. в стене трапезной пробили дверь, уничтожившую часть композиции, а в XVIII в. помещение превратили в склад сена. Большой вред фреске на несли неумелые реставрации. В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальныеую личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи ( ). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и учёного стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остаётся загадочным и продолжает будоражить умы людей, Леонардо да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи, недалеко от Флоренции; он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастер скую Андреа Верроккьо. В картине учителя "Крещение Христа" фигура одухотворённого белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо. Среди его ранних работ картина "Мадонна с цветком" (1472 г.). В отличие от мастеров XV в. Леонардо отказывался от повествовательности, использования деталей, которые отвлекают внимание зрителя, на сыченного изображениями фона. Картина воспринимается как про стая, безыскусная сцена радостного материнства юной Марии. Две крупные фигуры заполняют всё пространство картины, лишь за окном в тёмной стене видно чистое холодное голубое небо. Запечатлен конкретный момент: мать, сама ещё ласковая и живая девочка, протягивает, улыбаясь, своему ребёнку цветок и наблюдает, как серьёзный малыш внимательно рассматривает незнакомый предмет. Цветок связывает обе фигуры между собой. Леонардо много экспериментировал в поисках различных составов красок, он одним из первых в Италии перешёл от темперы к живописи маслом. "Мадонна с цветком" исполнена именно в этой, тогда ещё редкой, технике. Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим си лам ни как учёныйинженер, ни как живописец: изысканная утончённость культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми. Около 1482 г. Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротехнических работ и только потом как живописца и скульптора. Однако первый миланский период творчества Леонардо ( гг.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине. Не все грандиозные замыслы, в ртом числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить. Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, продолжалось (с перерывами) более десяти лет, но она так и не была отлита в бронзе. Глиняная модель монумента в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была уничтожена французскими войсками, захватившими Милан. Это единственное крупное скульптурное произведение Леонардо да Винчи получило высокую оценку современников. Представление о статуе можно составить на основании рисунков, запечатлевших разные варианты и этапы работы над ней. Первоначально статуя изображала всадника в стремительном {движении, на вздыбленном коне, но её отливка оказалась технически невозможной; позднее мастер нашёл более спокойное решение. Памятник Сфорца должен был более чем в полтора раза превысить конные монументы, выполненные Донателло и Верроккьо. Монумент прозвали Великим Колоссом. До нашего времени дошли живописные работы Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала "Мадонна в гроте" ( гг.). Живописец отошёл от традиций XV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: жен ственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопреклонённый ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально пре красны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди тёмных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж: в целом фантастически таинственный, но в частностях - в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы - выполненный с точным знанием природных форм. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот приём Леонардо называли сфумато. В Милане, повидимому, мастер создал полотно "Мадонна с Младенцем" ("Мадонна Литта"). Здесь в отличие от "Мадонны с цветком" он стремился к большей обобщённости и идеальности образа. Изображён не определённый момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина, кормящая грудью ребёнка. Выразительна чет кость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры. Холодный ясный свет озаряет её тонкое, мягко вылепленное лицо с полуопущенным взором и лёгкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые тёмнозолотистые вьющиеся волосы Младенца, не подтески серьёзен его внимательный взгляд, устремлённый на зрителя. Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо "Тайная вечеря", исполненную им в гг. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Судьба этого прославленного произведения Леонардо трагична. Ещё при жизни мастера краски начали осыпаться. В XVII в. в стене трапезной пробили дверь, уничтожившую часть композиции, а в XVIII в. помещение превратили в склад сена. Большой вред фреске на несли неумелые реставрации.

В 1908 г. были проведены работы по расчистке и укреплению росписи. Во время Второй мировой войны потолок и южную стену трапезной разрушила бомба. Предпринятая в 1945 г. реставрация спасла роспись от дальнейшего разрушения, остатки живописи Леонардо были вы явлены и закреплены. Однако о великом творении мастера можно составить теперь только самое общее представление. Огромная фреска (4,6 х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапез ной. Христос, фигура которого находится в центре, на фоне дверного проёма, и апостолы восседают за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнёс роковые слова: "Один из вас предаст меня". Они вызывают у апостолов гамму разнообразных чувств: отчаяние, испуг, недоумение, гнев; некоторые вскакивают с мест, бурно жестикулируют. Чтобы не создавать впечатления сутолоки, художник объединил персонажи в четыре группы по три фигуры в каждой и расположил их слева и справа от Спасителя. Леонардо отказался от традиционного размещения Иуды по другую сторону стола, но; предатель сразу узнаётся среди участников трапезы - по отпрянувшей назад фигуре, судорожному жесту руки, сжимающей кошель, зловещему затенённому профилю. Образ Христа - не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции. Учитель одинок в своём мудром спокойствии и покорности судьбе. Когда в 1499 г. Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джоконде (около 1503 г.). Портрет, известный как "Джоконда", стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи. Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для пони мания. Между тем в обширной литературе, посвящённой "Джоконде", сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа В истории мирового искусства есть произведения, наделённые странной, таинственной и магической силой. Объяснить это трудно, описать невозможно. В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы. Она, повидимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и цельной натурой. Леонардо вложил в её удивительный, устремленный на зрителя взгляд, в знамяенитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица за ряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял её об раз на недосягаемую высоту. В последние годы жизни Леонардо Да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска, он уехал в 1517 г. во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете рисунке ( гг.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста. Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И тем не менее его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, на бросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории искусства. В знамяени том "Трактате о живописи" (1498 г.) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимкой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе. Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю миро вой культуры, оказали на неё огромное влияние. В 1908 г. были проведены работы по расчистке и укреплению росписи. Во время Второй мировой войны потолок и южную стену трапезной разрушила бомба. Предпринятая в 1945 г. реставрация спасла роспись от дальнейшего разрушения, остатки живописи Леонардо были вы явлены и закреплены. Однако о великом творении мастера можно составить теперь только самое общее представление. Огромная фреска (4,6 х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапез ной. Христос, фигура которого находится в центре, на фоне дверного проёма, и апостолы восседают за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнёс роковые слова: "Один из вас предаст меня". Они вызывают у апостолов гамму разнообразных чувств: отчаяние, испуг, недоумение, гнев; некоторые вскакивают с мест, бурно жестикулируют. Чтобы не создавать впечатления сутолоки, художник объединил персонажи в четыре группы по три фигуры в каждой и расположил их слева и справа от Спасителя. Леонардо отказался от традиционного размещения Иуды по другую сторону стола, но; предатель сразу узнаётся среди участников трапезы - по отпрянувшей назад фигуре, судорожному жесту руки, сжимающей кошель, зловещему затенённому профилю. Образ Христа - не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции. Учитель одинок в своём мудром спокойствии и покорности судьбе. Когда в 1499 г. Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джоконде (около 1503 г.). Портрет, известный как "Джоконда", стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи. Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для пони мания. Между тем в обширной литературе, посвящённой "Джоконде", сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа В истории мирового искусства есть произведения, наделённые странной, таинственной и магической силой. Объяснить это трудно, описать невозможно. В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы. Она, повидимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и цельной натурой. Леонардо вложил в её удивительный, устремленный на зрителя взгляд, в знамяенитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица за ряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял её об раз на недосягаемую высоту. В последние годы жизни Леонардо Да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска, он уехал в 1517 г. во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете рисунке ( гг.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста. Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И тем не менее его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, на бросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории искусства. В знамяени том "Трактате о живописи" (1498 г.) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимкой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе. Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю миро вой культуры, оказали на неё огромное влияние.

С творчеством Рафаэля ( ) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальныеых мастеров Высокого Воз рождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело - мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к свет лому совершенному началу пронизывает всё творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного живописца Тимотео Вите. В 1500 г. он переехал в столицу Умбрии Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошёл своего учителя. Рафаэля называли Мастером Мадонн. Настроение душевной чисто ты, ещё несколько наивное в одной из его первых небольших картин - "Мадонна Конестабиле" ( гг.), - приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля - "Обручение Марии" (1504 г.). Про исходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Эта небольшая I картина уже целиком принадлежит ! искусству Высокого Возрождения. Главные действующие лица, группы девушек и юношей покоряют своим естественным изяществом. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты: напри мер, сближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо. В картине нет ничего лишнего, второстепенного. Золотистые, красные и тёмнозелёные тона, со звучные с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение. В 1504 г. Рафаэль переехал во j Флоренцию. Здесь его творчество обрело зрелость и спокойное величие. В цикле Мадонн он варьировал изображение молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа. Особенно хороша "Мадонна в зелени" (1505 г.). В картине использована пирамидальная композиция Леонардо, а колориту присуща тонкая гармония красок. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. В этих помещениях Рафаэль и его ученики украсили потолки позолоченным стуком и росписями, пол выложили узорчатым мрамором, а каждую стену до декоративной панели покрыли многофигурными фресками. Росписи ватиканскихстанц ( гг.) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии. Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному образу Мадонны с Младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра "Сикстинской Мадонны" ( гг.) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства "Сикстинская Мадонна" - образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. В обрамлении зелёных занавесей на светлых облаках стоит Мария с Младенцем на руках. Взгляд Её тёмных без блеска глаз устремлён мимо и как бы сквозь зрителя. Этому взору доступно то, что скрыто от других. В образе Христа, крупного красивого ребёнка, угадывается что-то не по-детски напряжённое и провидческое. Художник достиг здесь редкого динамического равновесия: кажущаяся ясная простота, черты отвлечённой идеальности, божественность чуда и реальная весомость форм сплетаются, дополняют и обогащают друг друга. Слева от Мадонны папа Сикст IV в молитвенном умилении созерцает чудо. Благоговейно потупившая взор Святая Варвара, принадлежащая, как и Мария, небесам, легко парит в облаках. Два ангелочка, облокотившиеся на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному образу. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем. Это и определяет высокую и волнующую человечность картины. В последние годы жизни Рафаэль создал росписи римской виллы Фар-незина. В её главном зале находится фреска "Триумф Галатеи" (1519 г.). Морская нимфа Галатея плывёт по морю на раковине, которую влекут дельфины. Окружающие её фантастические существа и летящие маленькие амуры образуют проникнутую ликующей радостью композицию. В ней сочетаются золотистые тона обнажённых тел, синева моря и неба. Под руководством Рафаэля в 1519 г. была завершена роспись так называемых Лоджий - построен ной Браманте большой арочной галереи на втором этаже Ватиканс кого дворца. Многочисленные декоративные фрески исполнили ученики Рафаэля по его рисункам. Позже росписи были испорчены грубыми реставрациями. О творческой фантазии Рафаэля и его даре декоратора можно судить отчасти по копии росписей Лоджий, украсившей стены галереи Эрмитажного дворца (построена в Петербурге в 80 е гг. XVIII в. архитектором Джакомо Кваренги). Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко про явилось его безупречное, лёгкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внёс и в архитектуру. Само имя Рафаэля - Божественного Санцио - в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделённого божественным даром художника. С великими почестями он был погребён в римском Пантеоне, где его прах покоится и поныне. С творчеством Рафаэля ( ) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальныеых мастеров Высокого Воз рождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело - мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к свет лому совершенному началу пронизывает всё творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного живописца Тимотео Вите. В 1500 г. он переехал в столицу Умбрии Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошёл своего учителя. Рафаэля называли Мастером Мадонн. Настроение душевной чисто ты, ещё несколько наивное в одной из его первых небольших картин - "Мадонна Конестабиле" ( гг.), - приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля - "Обручение Марии" (1504 г.). Про исходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Эта небольшая I картина уже целиком принадлежит ! искусству Высокого Возрождения. Главные действующие лица, группы девушек и юношей покоряют своим естественным изяществом. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты: напри мер, сближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо. В картине нет ничего лишнего, второстепенного. Золотистые, красные и тёмнозелёные тона, со звучные с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение. В 1504 г. Рафаэль переехал во j Флоренцию. Здесь его творчество обрело зрелость и спокойное величие. В цикле Мадонн он варьировал изображение молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа. Особенно хороша "Мадонна в зелени" (1505 г.). В картине использована пирамидальная композиция Леонардо, а колориту присуща тонкая гармония красок. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. В этих помещениях Рафаэль и его ученики украсили потолки позолоченным стуком и росписями, пол выложили узорчатым мрамором, а каждую стену до декоративной панели покрыли многофигурными фресками. Росписи ватиканскихстанц ( гг.) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии. Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному образу Мадонны с Младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра "Сикстинской Мадонны" ( гг.) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства "Сикстинская Мадонна" - образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. В обрамлении зелёных занавесей на светлых облаках стоит Мария с Младенцем на руках. Взгляд Её тёмных без блеска глаз устремлён мимо и как бы сквозь зрителя. Этому взору доступно то, что скрыто от других. В образе Христа, крупного красивого ребёнка, угадывается что-то не по-детски напряжённое и провидческое. Художник достиг здесь редкого динамического равновесия: кажущаяся ясная простота, черты отвлечённой идеальности, божественность чуда и реальная весомость форм сплетаются, дополняют и обогащают друг друга. Слева от Мадонны папа Сикст IV в молитвенном умилении созерцает чудо. Благоговейно потупившая взор Святая Варвара, принадлежащая, как и Мария, небесам, легко парит в облаках. Два ангелочка, облокотившиеся на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному образу. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем. Это и определяет высокую и волнующую человечность картины. В последние годы жизни Рафаэль создал росписи римской виллы Фар-незина. В её главном зале находится фреска "Триумф Галатеи" (1519 г.). Морская нимфа Галатея плывёт по морю на раковине, которую влекут дельфины. Окружающие её фантастические существа и летящие маленькие амуры образуют проникнутую ликующей радостью композицию. В ней сочетаются золотистые тона обнажённых тел, синева моря и неба. Под руководством Рафаэля в 1519 г. была завершена роспись так называемых Лоджий - построен ной Браманте большой арочной галереи на втором этаже Ватиканс кого дворца. Многочисленные декоративные фрески исполнили ученики Рафаэля по его рисункам. Позже росписи были испорчены грубыми реставрациями. О творческой фантазии Рафаэля и его даре декоратора можно судить отчасти по копии росписей Лоджий, украсившей стены галереи Эрмитажного дворца (построена в Петербурге в 80 е гг. XVIII в. архитектором Джакомо Кваренги). Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко про явилось его безупречное, лёгкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внёс и в архитектуру. Само имя Рафаэля - Божественного Санцио - в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделённого божественным даром художника. С великими почестями он был погребён в римском Пантеоне, где его прах покоится и поныне.

Микеланджело Буонарроти ( ) - величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры. Детство Микеланджело прошло в маленьком тосканском городке Капрезе близ Флоренции. Юность и годы учения он провёл во Флоренции. В художественной школе при дворе герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота античнойого искусства, он общался с великими представителями гуманистической куль туры. Флоренции принадлежат почти все скульптурные работы Микеланджело. Он похоронен во флорентийской церкви Санта Кроче. Однако в равной мере и Рим может быть назван городом Микеланджело. В 1496 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное произведение первого римского периода - "Пьета" ("Оплакивание Христа") ( гг.) в капелле собора Святого Петра. На коленях слишком юной для такого взрослого сына Марии распростёр то безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплёскивается наружу душевное страдание. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной. Вернувшись во Флоренцию в 1501 г., Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида ( гг.). Ста туя достигает пяти с половиной метров высоты. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Да вид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духов ной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю. Изготовленная по заказу Флорентийской республики, статуя была установлена у входа в Палаццо Веккьо. Открытие монумента в 1504 г. превратилось во всенародное торжество. "Давид" украшал площадь более трёх с половиной столетий. В 1873 г. монумент был установлен в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции. На старом месте, где поместил статую сам Микеланджело, теперь находится мраморная копия. Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему, истинному сыну Возрождения, быть и великим живописцем, и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения - роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в гг. Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел. Проект Микеланджело был смел и грандиозен: сорок мраморных статуй должны были украсить мавзолей. Мастер взялся их изваять сам. Но гробницу в том виде, в каком её задумал Микеланджело, создать так и не удалось. После смерти Юлия II его наследники не однократно заключали контракты с Микеланджело о возобновлении работ. Из предназначенных для гробницы статуй до нас дошли "Скованный раб" - сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от оков, и "Умирающий раб" - прекрасный юноша, который ожидает смерти как избавления от мук (около 1513 г.). Для второго этажа гробницы Юлия II предназначалась статуя древнееврейского пророка Моисея ( гг.). Тугими извивающимися прядями ниспадает его борода, в напряжении застыли мускулы мощного тела, грозен взгляд широко раскрытых глаз. Моисей в трактовке Микеланджело - народный вождь, человек вулканических стра стей, прозорливый мудрец. Многое в творчестве Микеланджело оставалось либо неосуществлённым, либо незаконченным. Обладавший на редкость независимым, резким и прямым характером, он тем не менее был вынужден служить все сильным заказчикам. На папском престоле сменялись владыки, и каждый следовал собственным вкусам, династическим и личным интересам. В1520 г. Микеланджело получил заказ от папы Климента VII из рода Медичи. При флорентийской церкви Сан Лоренцо, в которой были погребены члены семьи Медичи, мастеру предстояло построить и украсить скульптурой новую капеллу - их фамильную усыпальницу. Однако трагические события в Италии пре рвали работу над капеллой. В 1527 г. испанские войска Карла V заняли и разгромили Рим. Во Флоренции вспыхнуло народное восстание, и Медичи были свергнуты. К тому же в городе началась эпидемия чумы. Папа Климент VII в союзе с Карлом V организовал поход на Флоренцию, которая героически сопротивлялась. Во время осады Микеланджело руководил строительством укреплений. После падения республики от рас правы его спасло лишь тщеславие Климента VII, мечтавшего увековечить свой род руками величайшего мастера. В условиях жестокого террора вернувшихся к власти Медичи, глубокого унижения Италии, гибели друзей и сподвижников в 1531 г. Микеланджело возобновил прерванную работу над созданием капеллы, которая принадлежит к числу его самых замечательных произведений. Во Флоренции Микеланджело не чувствовал себя в безопасности. В 1534 г. он покинул родной город и переехал в Рим, где по заказу папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы знамяенитую фреску "Страшный суд" ( гг.). На фоне холодного сине пепельного неба множество фигур охвачено вихревым движением. Господствует трагическое чувство миро вой катастрофы. Близится час возмездия, ангелы возвещают о наступлении Страшного суда. Движение гигантских толп развёртывается по кругу. Справа неумолимым потоком низвергаются в ад грешники. Их тащат за собой дьяволы, преследуют бескрылые ангелы. Слева возносятся к небесам праведники. В центре высится могучая обнажённая фигура Христа, вершащего Суд. Грозный, не преклонный, прекрасный в гневной беспощадности, он больше похож на языческого богагромовержца. Поникшая Богоматерь полна глубокой скорби перед лицом безмерных человеческих страданий. Святой Варфоломей - символ устрашающего отчаяния. Микеланджело Буонарроти ( ) - величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры. Детство Микеланджело прошло в маленьком тосканском городке Капрезе близ Флоренции. Юность и годы учения он провёл во Флоренции. В художественной школе при дворе герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота античнойого искусства, он общался с великими представителями гуманистической куль туры. Флоренции принадлежат почти все скульптурные работы Микеланджело. Он похоронен во флорентийской церкви Санта Кроче. Однако в равной мере и Рим может быть назван городом Микеланджело. В 1496 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное произведение первого римского периода - "Пьета" ("Оплакивание Христа") ( гг.) в капелле собора Святого Петра. На коленях слишком юной для такого взрослого сына Марии распростёр то безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплёскивается наружу душевное страдание. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной. Вернувшись во Флоренцию в 1501 г., Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида ( гг.). Ста туя достигает пяти с половиной метров высоты. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Да вид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духов ной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю. Изготовленная по заказу Флорентийской республики, статуя была установлена у входа в Палаццо Веккьо. Открытие монумента в 1504 г. превратилось во всенародное торжество. "Давид" украшал площадь более трёх с половиной столетий. В 1873 г. монумент был установлен в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции. На старом месте, где поместил статую сам Микеланджело, теперь находится мраморная копия. Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему, истинному сыну Возрождения, быть и великим живописцем, и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения - роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в гг. Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел. Проект Микеланджело был смел и грандиозен: сорок мраморных статуй должны были украсить мавзолей. Мастер взялся их изваять сам. Но гробницу в том виде, в каком её задумал Микеланджело, создать так и не удалось. После смерти Юлия II его наследники не однократно заключали контракты с Микеланджело о возобновлении работ. Из предназначенных для гробницы статуй до нас дошли "Скованный раб" - сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от оков, и "Умирающий раб" - прекрасный юноша, который ожидает смерти как избавления от мук (около 1513 г.). Для второго этажа гробницы Юлия II предназначалась статуя древнееврейского пророка Моисея ( гг.). Тугими извивающимися прядями ниспадает его борода, в напряжении застыли мускулы мощного тела, грозен взгляд широко раскрытых глаз. Моисей в трактовке Микеланджело - народный вождь, человек вулканических стра стей, прозорливый мудрец. Многое в творчестве Микеланджело оставалось либо неосуществлённым, либо незаконченным. Обладавший на редкость независимым, резким и прямым характером, он тем не менее был вынужден служить все сильным заказчикам. На папском престоле сменялись владыки, и каждый следовал собственным вкусам, династическим и личным интересам. В1520 г. Микеланджело получил заказ от папы Климента VII из рода Медичи. При флорентийской церкви Сан Лоренцо, в которой были погребены члены семьи Медичи, мастеру предстояло построить и украсить скульптурой новую капеллу - их фамильную усыпальницу. Однако трагические события в Италии пре рвали работу над капеллой. В 1527 г. испанские войска Карла V заняли и разгромили Рим. Во Флоренции вспыхнуло народное восстание, и Медичи были свергнуты. К тому же в городе началась эпидемия чумы. Папа Климент VII в союзе с Карлом V организовал поход на Флоренцию, которая героически сопротивлялась. Во время осады Микеланджело руководил строительством укреплений. После падения республики от рас правы его спасло лишь тщеславие Климента VII, мечтавшего увековечить свой род руками величайшего мастера. В условиях жестокого террора вернувшихся к власти Медичи, глубокого унижения Италии, гибели друзей и сподвижников в 1531 г. Микеланджело возобновил прерванную работу над созданием капеллы, которая принадлежит к числу его самых замечательных произведений. Во Флоренции Микеланджело не чувствовал себя в безопасности. В 1534 г. он покинул родной город и переехал в Рим, где по заказу папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы знамяенитую фреску "Страшный суд" ( гг.). На фоне холодного сине пепельного неба множество фигур охвачено вихревым движением. Господствует трагическое чувство миро вой катастрофы. Близится час возмездия, ангелы возвещают о наступлении Страшного суда. Движение гигантских толп развёртывается по кругу. Справа неумолимым потоком низвергаются в ад грешники. Их тащат за собой дьяволы, преследуют бескрылые ангелы. Слева возносятся к небесам праведники. В центре высится могучая обнажённая фигура Христа, вершащего Суд. Грозный, не преклонный, прекрасный в гневной беспощадности, он больше похож на языческого богагромовержца. Поникшая Богоматерь полна глубокой скорби перед лицом безмерных человеческих страданий. Святой Варфоломей - символ устрашающего отчаяния.

В руках святого - содранная с него кожа, на которой Микеланджело изобразил в виде искажённой страданиями маски своё лицо. Фреска была закончена Микеланджело в 1541 г. Для Италии это было время усиливающегося нажима Католической Церкви на гуманистическую культуру. Высокие, светлые идеалы, которым мастер поклонялся всю жизнь, ушли в прошлое, Творение шестидесятишести летнего Микеланджело вызвало резкое недовольство в церковноых верхах. Папа Павел IV Караффа счёл это произведение непристойным, так как в нём было множество обнажённых фигур. Микеланджело было предложено задрапировать некоторые фигуры, на что художник ответил: "Скажите папе, что это дело маленькое и уладить его легко. Пусть он мир приведёт в порядок, а картинам сообщить пристойность можно очень быстро". Даниеле де Вальтерра, преданный ученик Микеланджело, внёс во фреску требуемые изменения, постаравшись, однако, уберечь её от сильного искажения. В последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой и поэзией. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило своё время, оно сыграло грандиозную роль в мировом искусстве, а также оказало влияние на формирование принципов барроко. В руках святого - содранная с него кожа, на которой Микеланджело изобразил в виде искажённой страданиями маски своё лицо. Фреска была закончена Микеланджело в 1541 г. Для Италии это было время усиливающегося нажима Католической Церкви на гуманистическую культуру. Высокие, светлые идеалы, которым мастер поклонялся всю жизнь, ушли в прошлое, Творение шестидесятишести летнего Микеланджело вызвало резкое недовольство в церковноых верхах. Папа Павел IV Караффа счёл это произведение непристойным, так как в нём было множество обнажённых фигур. Микеланджело было предложено задрапировать некоторые фигуры, на что художник ответил: "Скажите папе, что это дело маленькое и уладить его легко. Пусть он мир приведёт в порядок, а картинам сообщить пристойность можно очень быстро". Даниеле де Вальтерра, преданный ученик Микеланджело, внёс во фреску требуемые изменения, постаравшись, однако, уберечь её от сильного искажения. В последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой и поэзией. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило своё время, оно сыграло грандиозную роль в мировом искусстве, а также оказало влияние на формирование принципов барроко.

В историю искусства Высокого Воз рождения яркую страницу вписала Венеция, где этот период продол жался до середины XVI в. Особое в ликолепие город приобрёл после перестройки его центра учеником Браманте Якопо Сансовино (I ). Напротив Дворца дожей он воздвиг монументальную библиотеку Сан Марко с ажурным фасадом, органично связав её с ансамблем площади. У подножия колокольни собора Сан Марко мастер построил небольшое изящное здание - Лоджетту, а в гг. на Большом канале - нарядное палаццо Корнер делла Ка Гранде. Наивысшего расцвета в XVI в, достигла венецианская живопись с её богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтическисозерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана, С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела обще итальянское значение, утвердив свои художественные особенности. Джордже Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или ), родился в маленьком городке Кастельфранко, о его жизни сохранились скупые сведения. Известно, что он, красивый и обаятельный человек, обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорджоне сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупныера боты, выполненные по заказам, не сохранились. Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне - художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Музыка, меланхолия, созерцательное настроение - естественное содержание его картин, в которых как будто нет сюжета, нет и активного действия, но присутствует порой сложный под текст. Вместе с тем творчество Джорджоне человечно, полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность, Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием то нов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне "Юдифь" (около 1502 г.) - посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Она отправилась в стан врагов и убила их полководца - Олоферна. Войско не приятеля отступило. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в кар тине высшую справедливость. Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Его полные жизни произведения светского характера навеяны античнойой мифолошей, аллегориями или литературными произведениями. Знаменитая картина "Гроза" (около 1505 г.) пол на таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряжённо застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. Единство человека и природы воплощено и в ранней картине Джорджоне "Три философа", и в более позднем чудесном "Сельском концерте", где в спокойный пейзаж с округлыми купами деревьев под облачным небом вписана группа из юношеймузыкантов и обнажённых женщин. В гг. Джорджоне создал "Спящую Венеру" - самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан до писал в ней пейзаж. Широко известный при жизни, Шжорджоне был забыт уже в конце XVI столетия, его творчество от крыли заново лишь во второй поло вине XIX в. Сильное влияние он сказал на своего ученика Тициана, Который по натуре, характеру и Ирсштабу дарования был ему во многом противоположен. В историю искусства Высокого Воз рождения яркую страницу вписала Венеция, где этот период продол жался до середины XVI в. Особое в ликолепие город приобрёл после перестройки его центра учеником Браманте Якопо Сансовино (I ). Напротив Дворца дожей он воздвиг монументальную библиотеку Сан Марко с ажурным фасадом, органично связав её с ансамблем площади. У подножия колокольни собора Сан Марко мастер построил небольшое изящное здание - Лоджетту, а в гг. на Большом канале - нарядное палаццо Корнер делла Ка Гранде. Наивысшего расцвета в XVI в, достигла венецианская живопись с её богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтическисозерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана, С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела обще итальянское значение, утвердив свои художественные особенности. Джордже Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или ), родился в маленьком городке Кастельфранко, о его жизни сохранились скупые сведения. Известно, что он, красивый и обаятельный человек, обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорджоне сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупныера боты, выполненные по заказам, не сохранились. Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне - художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Музыка, меланхолия, созерцательное настроение - естественное содержание его картин, в которых как будто нет сюжета, нет и активного действия, но присутствует порой сложный под текст. Вместе с тем творчество Джорджоне человечно, полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность, Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием то нов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне "Юдифь" (около 1502 г.) - посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Она отправилась в стан врагов и убила их полководца - Олоферна. Войско не приятеля отступило. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в кар тине высшую справедливость. Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Его полные жизни произведения светского характера навеяны античнойой мифолошей, аллегориями или литературными произведениями. Знаменитая картина "Гроза" (около 1505 г.) пол на таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряжённо застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. Единство человека и природы воплощено и в ранней картине Джорджоне "Три философа", и в более позднем чудесном "Сельском концерте", где в спокойный пейзаж с округлыми купами деревьев под облачным небом вписана группа из юношеймузыкантов и обнажённых женщин. В гг. Джорджоне создал "Спящую Венеру" - самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан до писал в ней пейзаж. Широко известный при жизни, Шжорджоне был забыт уже в конце XVI столетия, его творчество от крыли заново лишь во второй поло вине XIX в. Сильное влияние он сказал на своего ученика Тициана, Который по натуре, характеру и Ирсштабу дарования был ему во многом противоположен.

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне Тициан Вечеллио gрожил почти столетие (1476 или ). Он родился в местечке Пьеве ди Кодоре близ Альп, учился в Венеции у Джентиле и Джованни Беллини, в 1507 г. перешёл к Джорджоне и стал его помощником. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разно сторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на её развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологияескими и историческими картинами. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всём венецианском искусстве. Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной картине этого периода "Любовь небесная и земная" ( гг.). Картина радует прежде всего превосходной живописью, особенно в изображении сияющего красотой обнажённого женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии. Во втором периоде творчества ( гг.) Тициан создал для церкви Санта Мария дельи Фрари огромную алтарную картину "Вознесение Марии" ( гг.), более известную как "Ассунта". На приме ре этого шедевра Тициана можно судить о том, насколько естествен но и безупречно точно монументальные полотна великих венецианцев были связаны с архитектурным интерьером, являясь его драгоценным украшением. Картина подобна целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением. Пре красная земной красотой Марш в тёмнокрасной одежде неудержимо и плавно поднимается ввысь в золотистом токе воздуха; широк, одухотворён жест Её воздетых к небу рук, Она оставляет на Земле смятенных, взволнованных апостолов. В третьем периоде творчества (начиная с 1530 г.) возрос интерес художника к народным типам, де талям быта. Всё это, однако, не вы ходило за пределы общей направленности его искусства. Картина "Введение во храм" ( гг.) решена Тицианом как великолепное красочное зрелище: девочка Мария торжественно шествует в храм по широкой лестнице. Написанная в 1538 г. для герцога Урбинского "Лежащая Венера" или "Венера Урбинская" по сравнению с богиней Джорджоне более тесно связана с реальной жизнью. Облокотившись на подушки, она непринуждённо раскинулась на ложе со спящей собачкой в ногах в просторной дворцовой комнате, где на дальнем плане служанки достают платье из большого сундука. Кажется, что Венера спустилась на землю, чтобы принять облик привлекательной и женственной венецианки. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту её обнажённого тела. В эти годы он создал немало изображений золотоволосых красавиц - мифологияеских героинь. 40 е гг. отмечены расцветом портретного искусства Тициана. В последний период творчества, начиная с 50 х гг. (это уже эпоха позднего Возрождения), Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. Он написал картину "Бичевание Христа", где освещённые во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине "Святой Себастьян" герой, пронзённый стрелами, но не сломленный, возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением. Колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают чёткость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная кар тина Тициана - "Оплакивание Христа" ( гг.). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе. Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Воз рождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет своё величие. В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне Тициан Вечеллио gрожил почти столетие (1476 или ). Он родился в местечке Пьеве ди Кодоре близ Альп, учился в Венеции у Джентиле и Джованни Беллини, в 1507 г. перешёл к Джорджоне и стал его помощником. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разно сторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на её развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологияескими и историческими картинами. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всём венецианском искусстве. Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной картине этого периода "Любовь небесная и земная" ( гг.). Картина радует прежде всего превосходной живописью, особенно в изображении сияющего красотой обнажённого женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии. Во втором периоде творчества ( гг.) Тициан создал для церкви Санта Мария дельи Фрари огромную алтарную картину "Вознесение Марии" ( гг.), более известную как "Ассунта". На приме ре этого шедевра Тициана можно судить о том, насколько естествен но и безупречно точно монументальные полотна великих венецианцев были связаны с архитектурным интерьером, являясь его драгоценным украшением. Картина подобна целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением. Пре красная земной красотой Марш в тёмнокрасной одежде неудержимо и плавно поднимается ввысь в золотистом токе воздуха; широк, одухотворён жест Её воздетых к небу рук, Она оставляет на Земле смятенных, взволнованных апостолов. В третьем периоде творчества (начиная с 1530 г.) возрос интерес художника к народным типам, де талям быта. Всё это, однако, не вы ходило за пределы общей направленности его искусства. Картина "Введение во храм" ( гг.) решена Тицианом как великолепное красочное зрелище: девочка Мария торжественно шествует в храм по широкой лестнице. Написанная в 1538 г. для герцога Урбинского "Лежащая Венера" или "Венера Урбинская" по сравнению с богиней Джорджоне более тесно связана с реальной жизнью. Облокотившись на подушки, она непринуждённо раскинулась на ложе со спящей собачкой в ногах в просторной дворцовой комнате, где на дальнем плане служанки достают платье из большого сундука. Кажется, что Венера спустилась на землю, чтобы принять облик привлекательной и женственной венецианки. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту её обнажённого тела. В эти годы он создал немало изображений золотоволосых красавиц - мифологияеских героинь. 40 е гг. отмечены расцветом портретного искусства Тициана. В последний период творчества, начиная с 50 х гг. (это уже эпоха позднего Возрождения), Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. Он написал картину "Бичевание Христа", где освещённые во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине "Святой Себастьян" герой, пронзённый стрелами, но не сломленный, возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением. Колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают чёткость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная кар тина Тициана - "Оплакивание Христа" ( гг.). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе. Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Воз рождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет своё величие.