ДЕПАРТАМЕНТ ОБРАЗОВАНИЯ ГОРОДА МОСКВЫ ГБОУ СПО ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ 1 ИМЕНИ К.Д. УШИНСКОГО Москва 2014 Автор: студент группы 11 У Власенкова Мария Проверил: - презентация

1 ДЕПАРТАМЕНТ ОБРАЗОВАНИЯ ГОРОДА МОСКВЫ ГБОУ СПО ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ 1 ИМЕНИ К.Д. УШИНСКОГО Москва 2014 Автор: студент группы 11У Власенкова Мария Проверил: Савельев П.А., преподаватель цикла социально-экономических дисциплин Альфонс Муха

2 Альфонс Мариа Муха (24 июля 1860, Иванчице, Моравия, Австро-Венгрия 14 июля 1939, Прага, Протекторат Богемии и Моравии) чешско- моравский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн». Альфонс Муха родился в городке Иванчице в Южной Моравии, недалеко от Брно, в семье небогатого судебного чиновника Ондрея Мухи, отца шестерых детей от двух браков. Матерью художника была Амалия Муха, дочь богатого мельника. В детстве Альфонс увлекался пением и был принят певчим в хор мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, что позволило ему учиться в гимназии. К этому же времени относятся и его первые опыты живописи (акварель «Жанна д Арк»). По окончании гимназии он пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка. Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.

3 В 1879 году Муха был замечен и приглашён в Вену в художественные мастерские Каутский-Бриоши-Бургхардт, в качестве художника театральных декораций. Но после пожара в «Рингтеатре» в 1881 году, который привел к гибели около 500 человек и уничтожил его мастерскую, декораторская фирма потерпела крах, а сам он был настолько потрясён, что покинул Вену и переехал в небольшой моравский городок Микулов (Никольсбург), где работал над украшением родового замка графа Карла Куэна-Беласси, а затем и его парадного дворца Эммахоф (названного в честь Эммы - жены графа) в моравском городе Грушовани. Вскоре художник совершил, вместе с супругами Куэн-Беласси, путешествие в Северную Италию и в австрийский Тироль. Там Альфонс Муха некоторое время расписывал стены замка, принадлежавшего брату Куэн-Беласси. Восхищённый талантом юного мораванина, граф согласился оплатить расходы по его учёбе в Мюнхенской академии изящных искусств. Здесь Муха вскоре возглавил Ассоциацию Славянских художников.

4 Парижский период После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887 году переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси. Однако, в том же 1887 году граф Куэн-Беласси покончил с собой. Муха остался без средств к существованию. Ему пришлось зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек. Его мастерская находится над кондитерской мадам Шарлотты (в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом). Впрочем, иногда случались и серьёзные заказы. Так, в 1892 году Муха проиллюстрировал многотомный труд «Сцены и эпизоды из истории Германии», французского историка Шарля Сеньобоса. Обращение к великим людям и великим событиям не только германского, но и общеевропейского прошлого обогатило художника ценным опытом, который впоследствии пригодился ему при работе над своим самым знаменитым творением «Славянской эпопеей». Поворот в судьбе моравского гения наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения. Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы. В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах… Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров (и подвергаются беззастенчивому плагиату на всех уровнях). Одно из известнейших парижских графических издательств, «Шампенуа», заключает с ним эксклюзивный контракт на его прикладное творчество. Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В этом же стиле были выполнены и литографии Мухи, иллюстрировавшие «Ильзу, принцессу Триполийскую» Робера де Флёра… В отличие от тревожных картин современных ему мастеров Климта, Врубеля, Бакста произведения Альфонса Мухи дышат спокойствием и негой. В 1895 году Муха входит в круг символистов «Салон ста», группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие. В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг. Начиная с 1897 года он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер. В 1900 году Муха принимает участие в отделке павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже. Это событие побудило его заинтересоваться историей славян, что в дальнейшем привело к созданию цикла «Славянская эпопея».

5 Американский период В 1906 году Муха женился на своей ученице Марии Хитиловой (в семье родились дочь Ярослава и сын Иржи, позднее известный журналист, писатель, сценарист, умер в 1991 г.). Одновременно он принимает предложение Американского общества иллюстраторов и переезжает в США, где жил и работал до 1910 года и считался крупнейшим художником современности. Муха преподавал в Художественном институте Чикаго, а в 1908 году создал декорации для Немецкого театра в Нью-Йорке... Однако, несмотря на громкий успех (Муха снискал себе славу портретиста и автора обложек иллюстрированных журналов), тамошняя жизнь тяготила его своим коммерционализмом, и он не порывал с мечтами вернуться в Чехию. К тому времени он решил, что его прежнее творчество исчерпало себя и задумывался о создании грандиозного цикла эпических картин на тему истории славян.

6 Возвращение на родину Сразу же после возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине» («Славяне на прародине»), «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь магистра Яна Гуса», «После Грюнвальдского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права на Руси». В эти же годы он работает над интерьерами самых известных зданий Праги в стиле модерн Муниципального дома, отелей «Европа» и «Империал», создает эскиз главного витража достраиваемого собора Святого Вита в Пражском Граде. После образования в 1918 году независимой Чехословакии Муха поглощен созданием «официального» графического стиля нового государства: его таланту принадлежат образцы первых банкнот и почтовых марок страны, один из вариантов государственного герба и даже правительственные бланки и конверты. В 1928 году Муха заканчивает свою «Славянскую эпопею» и дарит её городу Праге. Вследствие того, что в тогдашней Праге не нашлось галереи, которая могла бы разместить её всю целиком, она временно экспонировалась в Дворце ярмарок, а после войны была помещена в замке в городке Моравский Крумлов; доступна для осмотра с 1963 года). К концу его жизни интерес к нему был потерян: в Чехословакии 1930-х годов его творчество считалось и устаревшим (период расцвета функционализма), и чрезмерно националистическим. Патриотизм художника (не столько моравский или чешский, сколько общеславянский) был настолько известным, что власти гитлеровской Германии включили его в список врагов III Рейха - несмотря даже на весьма значительный вклад Альфонса Мухи в немецкую культуру!.. После захвата Праги в марте 1939 года, Гестапо несколько раз арестовывало престарелого художника и подвергало допросам, в результате чего он заболел пневмонией и скончался 14 июля 1939 года. Альфонс Муха был похоронен на Вышеградском кладбище.

7 «Весна», 1896 Весенним настроением пронизана вся картина: всё расцветает и благоухает. Распустились цветы на огромном дереве, что изображено на заднем плане; сияет чистотой весенний венок на голове нимфы; поют птицы, влюблённо заглядывая девушке в глаза. И даже неведомый куст весь покрылся бело - розовыми цветочками. Радостное ожидание праздника обновления жизни чувствуется и в облике незнакомки, в ее мечтательной и загадочной улыбке. И это настроение такая картина будет создавать в любое время года, если ее повесить на стену в современной квартире. Как и большинство художественных произведений чешского художника А. Мухи, эта картина вызывает только позитивные эмоции.

8 «Лето», 1896 Когда еще можно опустить босые ноги в водоем и застыть в мечтательной неподвижности? Конечно, летом. Венок из маков на голове; цветущая ветка неизвестного дерева, на которую опирается незнакомка; облака на небе, больше похожие на морской прибой; загадочная улыбка девушки, - всё это так знакомо и так узнаваемо в картине чешского художника Альфонса Мухи. Эта картина в составе других вошла в цикл "Сезоны" и называется "Лето". Как всегда у этого художника - все линии очень плавные, немного даже расплывчатые, и только черты лица прописаны очень тщательно. Художник использовал для творчества образы своих родных людей.

9 «Осень», 1896 Муза "Осени", прекрасная нимфа с венком осенних цветов на голове собирает виноград. Вот она взяла спелую гроздь, собираясь ее сорвать. В другой руке у нее - тарелка, очевидно, для винограда. На заднем плане виднеется увядающая листва, охристые тона которой подчеркивают, что на картине изображена именно та пора, о которой говорится в известном стихотворении Ф.Тютчева: " Есть в осени первоначальной короткая, но дивная пора..." Картина Альфонса Мухи своими приглушенными тонами вызывает легкую грусть по ушедшему лету, по его буйству красок.

10 «Зима», 1896 Зима у многих народов ассоциируется с завершением всего, с уходом жизненных сил. На картине А.Мухи "Зима" из серии "Сезоны" также изображен снег, деревья с облетевшими листьями, бедная замерзшая нимфа зябко пытается согреть собственным дыханием заледенелые пальчики. Она не в силах помочь бедным птичкам... Но нет в картине уныния и неизбежности конца: яркий зеленый цвет одеяния девушки жизнеутверждающе провозглашает: жизнь продолжается. Скоро выглянет солнышко, снег растает, а там и весна недалеко.

11 «Искусство. Живопись», 1898 Прекрасная девушка держит в изящной ручке не менее прекрасный цветок. Волосы у девушки непослушными прядями развеваются на невидимом ветру. Над головой незнакомки - причудливые узоры, навевающие чудесные и волшебные сны. Картина написана в стиле "Модерн", в ней ярко проявляется стремление автора - чешского художника Альфонса Мухи - к плавности, закругленности предметов, в подражании природе. Действительно, в природе не встретишь кубов и квадратов, нет их и в творчестве художника.

12 «Искусство. Поэзия», 1898 Поэзия и мечта неразделимы. Звучание хороших стихов будит в душе человека мечты о прекрасном, возвышенном, иногда несбыточном...Эта картина Альфонса Мухи изображает девушку, устремленную к мечтам. Как и большинство работ этого чешского художника, в картине нет резких линий. Все детали в ней плавно переходят одна в другую. Излюбленный автором ореол над головой девушки украшен узорами. Лавровая ветвь не похожа на венок, она выходит из-за спины девушки и чуть- чуть закрывает ей голову. Девушка печальна, но печаль ее светла.

13 «Искусство. Музыка», 1898 Прекрасные девушки на фоне причудливых и замысловатых узоров - любимые сюжеты чешского художника - модерниста Альфонса Мухи. Вот она сидит, как птичка на жердочке,- красивая, полуобнаженная, немного томная, с необычной прической темных волос. А чтобы подчеркнуть ее положение, фон наполнен птичьими силуэтами. Но девушка не пленница в клетке, нет. Она мечтает. И снова подсказка зрителю - тонкие пальцы, перебирающие струны, отображенные на фоновом рисунке. Прекрасная музыка и не менее прекрасная мечта.

14 «Искусство. Танец», 1898 И снова - овал, на фоне которого развивается действие. Это картина чешского художника Альфонса Мухи очень узнаваема своими плавными линиями, скользящими деталями. Главное действующее лицо этой картины – Муза. В данном случае - танцующая Муза. В вихре танца взметнулись бронзовые пряди волос, соперничая в красоте движений со складками одеяния, с лепестками роз. А сами лепестки как будто возникают из воздуха или рождаются из одежд танцовщицы. Верхние углы картины декорированы изображением множества бабочек, что еще раз подчеркивает легкость и воздушность всего произведения.

15 «Примулы. Первоцвет», 1899 Картина называется "Примула", потому что изображенная на ней девушка держит этот цветок в руке. Но при взгляде на произведение живописи возникает чувство, что вся картина - это цветок. Цветы здесь везде: в обрамлении героини, в ее прическе, на поясе ее платья. Такой радостный праздник цветов. Одеяние девушки окрашено в нежные пастельные тона, гармонирующие с алыми щечками и губами. Красиво изогнутый стан сам смотрится как загадочный и сказочный цветок. Альфонс Муха верен себе и в этой картине, орнаментальные и цветочные фантазии художника неистощимы.

16 «Примулы. Перо», 1899 Гордая красавица держит в руке перо неизвестной птицы. Вот и весь сюжет картины. Но картина-то написана великим чешским живописцем, театральным художником и плакатистом Альфонсом Мариа Мухой. Что за прелесть эта гордая головка с причудливой прической. Грациозная фигурка незнакомки повторяет линии пера, которое она держит как драгоценнейший цветок или очень дорогую безделушку. И снова на заднем плане изображены круги с различными узорами, овалы, неизвестные цветы. Это стиль "Модерн".

17 Пьер Боннар (1867 – 1947) «Мастерская с мимозой», 1939 Центр Помпиду в Париже После многочисленных ударов судьбы, постигших Боннара в конце жизни, когда от него уходили в вечность дорогие и близкие ему люди, он не прекращает заниматься творчеством, оставаясь все таким же любознательным исследователем. В его работах даже становится больше света, они теплее, и насыщены свободой и жизнью. В картине «Мастерская с мимозой» пейзаж попадает в помещение художника со всей мощью южного темперамента, наполняя его ярким светом, источником которого является мимоза. Внешняя стихийность становится одним целым с интимностью интерьера. Зрителю предоставляется возможность посетить мастерскую Боннара, но здесь она не является главным объектом, основное внимание акцентируется на пейзаже за окном, где сад расцвечен обилием ярких южных красок. Марты уже нет с ним четыре года, но «призрак» ее фигуры запечатлен внизу. В своих поздних картинах художник чаще экспериментирует с эффектами освещения, а в пейзажах он находит источник творческого вдохновения.

18 Винсент ван Гог (1853 – 1890) «Ирисы», 1889 Музей Гетти в Лос-Анджелесе «Ирисы» были написаны художником в 1889 году в то время, когда он жил в лечебнице Святого Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де- Прованс, за год до своей смерти. В картине отсутствует высокая напряжённость, которая проявляется в его последующих работах. Он назвал картину «громоотвод для моей болезни», потому что он чувствовал, что может сдерживать свой недуг, продолжая писать. В картине прослеживается влияние японских гравюр укиё-э, как и в других работах Ван Гога и части его современников. Это сходство проявляется в выделении контуров объектов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных областей и областей, залитых сплошным цветом, не соответствующим реальности.

19 Винсент ван Гог (1853 – 1890) «Розовые розы», 1890 Новая глиптотека Карлсберга в Копенгагене В течение последних двух месяцев жизни ван Гог прожил в Овер-сюр-Уаз под Парижем, где он среди прочего написал несколько картин с цветами. «Розовые розы» одна из лучших картин этой серии. Она является характерной для позднего творчества художника. В отличие от ярких оранжевых и жёлтых оттенков, которые он использовал в Арле (например, в цикле «Подсолнухи»), здесь ван Гог применяет более мягкое и меланхоличное сочетание цветов, говорящее о более плодородном и влажном северном климате. Эта картина типична для последнего периода творчества Винсента ван Гога ещё и тем, что в ней практически отсутствует тяготение (на первый взгляд кажется, что картину можно перевернуть, а эффект от этого не изменится) и пространственность (цветы как бы выдвинуты из плоскости картины в пространство, где находится зритель). Ван Гог сумел передать чувство непосредственной близости роз к наблюдателю. На то, где у картины низ, указывает практически невидимая чаша под цветами, а на глубину намекает лишь слегка изменяющаяся форма мазков и лёгкое изменение оттенков зелёного. Резкие тёмно-синие контуры листьев и стеблей роз, а также вибрирующие и извивающиеся линии являются примером влияния на художника японской резьбы по дереву. Эти приёмы хоть и напоминают стиль Поля Гогена и Эмиля Бернара, но ван Гог использует их в собственной непередаваемой манере.

20 Пьер Боннар (1867 – 1947) «Женщины в саду», 1891 Музей д Орсе в Париже Творческая и свободолюбивая натура Боннара противилась любым ограничениям, какой бы сферы жизнедеятельности, а тем более, искусства, это не касалось. Его творческий поиск не прерывается до самой кончины, он постоянно ищет решения, позволяющие преодолеть каноны, регламентируемые станковой живописью. Одна из главных целей, которую художник ставит перед собой, посвящая свою жизнь творчеству – преодоление границ, разделяющих разные направления искусства: театр, поэзию, музыку. Объединить искусство и жизнь – девиз, под которым Боннар трудился без устали. Именно с картин этой серии начинаются декоративные работы в творчестве Боннара. В 24 года художник-«набист» создал цикл «Женщины в саду», состоящий из четырех панно, которые задумывались им как украшение ширмы. Боннар планировал их выставить в 1891 году в Салоне Независимых, но на выставке они экспонировались отдельно, и были представлены под названием «Декоративное панно». Свое решение художник объяснил тем, что в его видении, работы представляли собой более картины, нежели ширмы. Манера исполнения полотен, а также их тематика – дань японскому искусству, к которому тяготел Боннар. На плоском фоне изображены плоские силуэты персонажей. Здесь отсутствуют светотень и глубина, нет речи о полутонах. Все элементы живописи отличаются декоративностью, что тоже характерно для искусства Дальнего Востока.

21 Анри де Тулуз-Лотрек (1864 – 1901) «Канатная плясунья», 1899 Национальный музей Швеции в Стокгольме В начале 1899 года мать художника после очередного приступа белой горячки настояла на том, чтобы сын лёг в психиатрическую лечебницу, расположенную неподалёку от Парижа, в городе Нёйи-сюр-Сен. Там Лотрек лечился с 27 февраля по 17 мая 1899 года. Доктора считали, что одним из симптомов болезни была потеря памяти. Тулуз- Лотрек, чтобы убедить докторов в выздоровлении, по совету друга начал по памяти писать сцены из жизни цирка популярного в то время развлечения. Так появилась картина «Канатная плясунья». Она, как и другие картины из цирковой серии, созданные во время пребывания в лечебнице, написана исключительно по памяти без использования каких-либо вспомогательных материалов. В отличие от более ранних произведений художника, зачастую представляющих собой мимолётное впечатление, здесь видна детальная и продуманная композиция, как в форме, так и в содержании.

22 Макс Швабинский (1873 – 1962) Макс Швабинский (17 сентября 1873, г. Кромержиж 10 февраля 1962, г. Прага) чешский живописец и график. Выступая на могиле Мухи, Швабинский, не покривив душой, сказал, что считает себя учеником Мухи и высказал ему слова благодарности. После выступления на могиле Мухи Швабинскому стало неограниченно везти в жизни и в карьере. В 1945 году он был удостоен почётного титула Народный художник Чехословакии и право пожизненно пользоваться отдельной мастерской в Художественной академии Праги, а 1952 – Государственной премии ЧССР.

23 «Зеленая бабушка», 1900 Среди портретов, созданных Максом Швабинским, на выставке в пражском Валдштейнском манеже можно отметить портрет под названием «Зеленая бабушка». Старая женщина в черном чепчике сидит на стуле, положив натруженные руки на колени, и смотрит вдаль. Художник восхищается красотой старости. И здесь проявляется связь с Рембрандтом.

24 «Бедный край», 1900 Счастливой случайностью в жизни молодого художника стало знакомство с семьей его будущей жены Эллы Вериховой, c семьей, которая жила искусством и культурой. Верихи проводили все свободное время в Козлове, на чешско-моравской Высочине. Именно там у Швабинского родился замысел его самой известной картины «Бедный край». Молодая девушка, моделью для которой послужила будущая жена художника, сидит на холме, поросшем фиолетовым вереском. Как писал сам Швабинский, он пытался передать «гармонию фиолетового вереска, синего небосвода и девушки, которая символизирует этот край». Известно, что Швабинский был очень расстроен неудачной реставрацией своей лучшей картины, когда были смыты тонкие слои лазури, и впечатление от тонкой игры цветов исчезло, так как фиолетовый вереск превратился в синий.

25 «У ткацкого станка», 1901 В 1901 году возникает картина «У ткацкого станка», это было как бы продолжение к символическому «Бедному краю». В первой - образ земли, во второй - жизнь ее обитателей. В этот раз речь не шла об аллегории, а о реальности. На картине - молодая девушка, которая от усталости дремлет, опершись головой о деревянный ткацкий станок. На выставке представлены эскизы, так как сама картина, к сожалению, не сохранилась. В 1904 году она была куплена и вывезена в Сан-Франциско, где погибла во время землетрясения в 1907 году.

26 «Ниспослание духа святого», 1935 В 1932 году Макс Швабинский получает заказ на создание окна в крестильной капелле Святой Людмилы собора Святого Витта, кафедрального собора Праги. Достройка главного храма страны была очень ответственным заданием, которое должно было символизировать гордость народа за свое славное прошлое. Сегодня мало кто понимает, что Прага с недостроенным собором Святого Витта выглядела бы совершенно иначе. А многие, только благодаря выставке, которая проходит в Валдштейнском манеже, узнают, что «старинные витражи», - дело рук художника, который жил совсем недавно. Создание витража «Ниспослание духа святого» в капелле святой Людмилы с успехом было закончено в 1935 году, и практически сразу Швабинский получает новый заказ. На этот раз это самое большое окно собора, которое должно соединять новую и старую часть храма Святого Витта. Тема «Последний Суд».

27 «Святая Троица», 1945 В 1939 году Макса Швабинского просят продолжить работу, так появляется замысел еще двух витражей в окнах над главным алтарем. Однако начавшаяся война позволяет вернуться к реализации проекта только в 1945 году. Тогда же Швабинскому поручено восстановить центральную часть витража, уничтоженную немцами. Таким образом, трехчастный витраж «Святая Троица» над центральным алтарем становится одним из самых красивых украшений храма Святого Витта.

28 Список литературы Долгополов Игорь «Макс Швабинский», 2000 Костеневич Альберт «Боннар и художники группы Наби», 2003 Мурина Елена «Ван Гог» М.: Искусство, 1978 Перрюшо А. «Жизнь Тулуз-Лотрека» Москва: Радуга, 1994 Ульмер Рената «Альфонс Муха», 2003 Яндекс.Картинки